s?bado, 25 de octubre de 2008

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Nina Simone

Nina Simone (1933 – 2003). El 21 de abril de 2003 fallecía en su casa, cerca de Marsella (Francia), la gran cantante afroamericana Nina Simone que, como nadie, había sabido ser fiel intérprete de su pueblo, oprimido y marginado. Su verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon, y había nacido el 21 de febrero de 1933 en Tryon, Carolina del norte, una población segregacionista. Era la sexta de ocho hermanos dentro de la familia de un obrero manual y una sirvienta doméstica. Niña prodigio, ya tocaba el piano a la edad de cuatro años y junto con sus hermanas cantaba en el coro de la iglesia metodista que su madre dirigía. En 1943, cuando tenía 10 años, dio su primer concierto de piano en la biblioteca de la ciudad. Allí conoció su primer aplauso y su primer choque con el racismo: durante el concierto quitaron a sus padres de la primera fila del local para acomodar a un grupo de blancos. Este episodio fue la primera de una cadena de experiencias traumáticas para ella y está, sin duda, en el origen de su compromiso con la lucha por la libertad y por las reivindicaciones de los negros en Estados Unidos. Con la ayuda económica de su profesor de música, pudo estudiar en la escuela de música Julliard de Nueva York, y de allí su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca para el Instituto Curtis, pero fue rechazada por el color de su piel. A pesar de que tenía una formación pianística clásica, para mantener a su familia tuvo que empezar a trabajar en 1954 en un club de Atlantic City como cantante. Fue entonces cuando cambió su nombre por el de Nina (tomado del castellano para definirse como la pequeña) Simone (de la actriz francesa Simone Signoret). En 1959 grabó sus primeros discos para el sello Bethlehem, filial de R&B. En ellos dio muestras notables de su talento como pianista, cantante, adaptadora y compositora. Algunas canciones se convirtieron en clásicos de su repertorio. La canción I Love You Porgy, de la ópera Porgy and Bess, de Ira y George Gershwin, la convirtió de golpe en una estrella, vendiendo un millón de copias. Desde estos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, recorriendo una gama muy amplia en su repertorio en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad. Su forma de tocar el piano es decisiva en muchas de sus interpretaciones, pero especialmente en la conocida My Baby Just Cares For Me. La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en este tipo de composiciones, rebosantes de improvisación y de cercanía espiritural. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Su voz a veces sólo susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones que el alma humana es capaz de experimentar. No le gustaba que la compararan con Billie Holliday, por su adicción a la heroína. Tampoco le gustaba que le encasillen como una cantante de jazz, porque decía que era el destino natural que los blancos reservan a los músicos negros. Por eso cantó versiones propias de canciones de muy variado origen, como alguna de Kurt Weill y Bertol Brecht, Ne Me Quitte Pas de Jacques Brel en francés, Suzanne de Leonard Cohen, cuatro de Bob Dylan, Here Comes The Sun, de los Beatles, My Sweet Lord, de George Harrison, contribuyó con Pete Townsend en el musical Iron Man, en 1990 grabó con Maria Bethania, en 1991 con Miriam Makeba... Fue la primera que en 1961 grabó la canción tradicional The house of the rising sun (La casa del sol naciente) que luego fue también interpretada por Bob Dylan en su primer álbum de 1962 y posteriormente por The Animals en 1963, alcanzando una enorme popularidad. Pero Nina no buscó nunca la fama ni el dinero, sino poner su enorme talento musical al servicio del pueblo oprimido norteamericano. Tras los asesinatos de Medgar Evers en Mississippi (junio de 1963) y cuatro niños negros al ser bombardeada su escuela en Birmingham, Alabama (septiembre del mismo año), compuso Mississippi goddamn, su primera canción de protesta, una acusación amarga y furiosa de la opresiva situación de los afroamericanos en Estados Unidos. Temas compuestos por ella en 1966, como Four women, se convirtieron en emblemas de las luchas de los años sesenta en Estados Unidos. La interpretación de esta canción fue prohibida en Filadelfia y en las emisoras de radio de Nueva York por injuriosa. Sin embargo, se trata de una balada emocionante y llena de sensibilidad. Otra canción de protesta de aquellos años es Backlash Blues, basada en un poema escrito para ella por Langston Hughes. Militante del movimiento de Panteras Negras, otro impresionante tema suyo, Young, gifted and black (Joven, dotado y negro), inspirada por Lorena Hansberry, se convirtió en el himno afroamericano. Fue también una estrecha colaboradora de James Baldwin, Sammy Davis Jr. y Harry Belafonte. Pero también nos sorprende cuando canta acompañada únicamente de su piano, como en el álbum Nina Simone and piano, una colección introspectiva de canciones sobre la muerte, la soledad y el amor, que sigue siendo un resplandor en su carrera discográfica. Harta del racismo y del estercolero del mundillo musical americano, Nina renunció a su país en 1969, tras el asesinato de Martín Lutero King. Se convirtió en una trotamundos. En 1974 se fue a Barbados y durante los años siguientes vivió en Liberia, Suiza, París, Holanda y finalmente en el sur de Francia, en donde falleció. En 1978 fue detenida a causa de su boicot al pago de impuestos para financiar la guerra de Vietnam. En 1984, la canción de su primer disco, My Baby Just Cares For Me, se convirtió en un éxito enorme al aparecer en el anuncio televisivo de un perfume de Chanel. La canción había sido escrita para la película musical Whoopee en 1930, una obra de Thornton Freeland y Eddie Cantor que fue cantada y bailada por Ethel Shutta. Luego, en los años cincuenta, la canción estuvo en el repertorio de Frank Sinatra. Nina la grabó en su primer álbum, publicado en 1959. En 1989 publicó su autobiografía, I Put A Spell On You, traducida al francés (Ne Me Quitte Pas) y a otros idiomas.




Carmen Bradford


Born in Austin, Texas and raised in Altadena, California, Carmen Bradford grew up with music in her home, and in her heart. The daughter of legendary trumpeter/composer Bobby Bradford and world renowned vocalist Melba Joyce, it was only natural that Carmen followed in the footsteps of her musical parents. She has since carved out a place in music history for herself, one that is still growing and evolving, and is playing an integral role in this uniquely American art form called jazz. The featured vocalist in the legendary Count Basie Orchestra for nine years, Carmen was discovered and hired by Mr. Basie himself. She has since performed and/or recorded with; Frank Sinatra, Nancy Wilson, Herbie Hancock, Lou Rawls, Wynton Marsalis, Tony Bennett, James Brown, George Benson, Doc Severinsen, Willie Nelson, Lena Horne, Regina Carter, Patti Austin, The Lincoln Center Jazz Orchestra, Joe Williams, and many others. Carmen performed on two Grammy Award winning albums with the Basie band in the eighties, and later collaborated on a third Grammy Award winning album, “Big Boss Band”, with guitarist George Benson in 1991. Their celebrated performance of that classic duet, “How Do You Keep The Music Playing?” on the Johnny Carson Show that same year brought Carmen into homes across America in a way they had never seen her before.Carmen’s solo career took off with her critically acclaimed debut album “Finally Yours” (Evidence Records) in 1992, and began another chapter in her illustrious career. Her follow-up solo release “With Respect” (Evidence Records) in 1995, established the Los Angeles based singer as one of jazz music’s most diverse and exciting vocal stylists—and proved to the world that Carmen Bradford was a unique voice in jazz in her own right. Returning to collaboration and making more history, Carmen teamed with singer Kenny Rankin for the Benny Carter Songbook Project. “What an honor!”, she exclaimed as she looked around the room at the many faces of music history involved in the making of this special album; Joe Williams, Ruth Brown, Bobby Short, Peggy Lee, Shirley Horn, Jon Hendricks, Dianna Krall, Dianne Reeves, and many more. Carmen was chosen to sing “Key Largo” for the Grammy Award winning album. Her performance on “The Benny Carter Song Book” marked Carmen’s fourth studio collaboration that would shine in the Grammy spotlight. Carmen has also on occasion lent her voice to the music of Hollywood films, she sang on the haunting soundtrack for Oprah Winfrey’s “Beloved”, and also Dori Caymmi's modern re-working of legendary movie theme songs entitled “Cinema”. Caymmi's brilliant arrangement of Bonfa's classic “Black Orpheus” required Miss Bradford to render the lyrics in Portuguese.Carmen completed a recording and performance project for education with Wynton Marsalis and The Lincoln Center Jazz Orchestra entitled "Essentially Ellington". She also teaches privately when her schedule affords her the time.“Home With You” (Azica Records), a warm, beautiful collection of piano/vocal duets with pianist Shelly Berg, is Carmen’s latest solo recording. The album is yet another departure for Carmen, offering her fans a stripped down, intimate portrait of the artist they have grown to love. At present Carmen performs often in support of her new duets album with Mr. Berg, and also with her trio, and still performs with the legendary big-bands; Doc Severinsen and his Orchestra, The Count Basie Orchestra, The Lincoln Center Jazz Orchestra, and many others.            
http://www.carmenbradford.com/






Ladies summertime 2008

LADY SUMMENTIME

13th International Jazz Singer Contest - 10, 11, 12 July 2008, Kajaani, Finland.


1th Anne Czichowsky, Germany - 2nd Kristina Svolkinate, Lithuania (on the right) - and 3rd Anna Buturlina, Russia (on the left).





Kristina Svolkinate (LIT), Bazak Yavuz (TUR), Brita Attlesdotter Hansen (NOR), Anna Buturlina (RUS), Anne Czichowsky (GER), Lucia Luzinska (SLO), Tuasofia (FIN), Leniye Izmailova (UKR), Viktoria Vasjura (EST), Anna Rejda (POL), Ana De Lois (ESP), Izabela Geambasu (ROM), Marion Ross (ISR), Tiia Marjanen (FIN), Raimonda Vaiciute (LIT), Maija Gaile (LAT), Angelica Matveeva (SWE)

Susana Raya

La cantante y guitarrista, Susana Raya, nace en Córdoba en 1976 (España). Obtiene grado medio de guitarra clásica y se perfecciona con Leo Brouwer, Robert Ransley y Kiko Aguado. Ha estudiado canto moderno en la Escuela de Música Creativa de Madrid con Quez y ha realizado master class con la cantante portuguesa Maria Joao. Se inició en la música como cantautora, con unas composiciones que le han llevado a ser finalista de la prestigiosa Muestra Nacional de Canción de Autor "Cantigas de Mayo" en la edición 2003. Lideró un grupo pop con el que llegó a editar un disco, Romper el hielo bajo el sello Onia Música. Colabora en "Dominio Público" del cantautor Miguel Herrador y "Sensazione" de Flow, del grupo: Acuarela. En el terreno jazzístico, forma parte del proyecto cordobés, "Qu Jazz" con el que llegó a conseguir importantes premios en conciertos y festivales, entre ellos, el ser declarado mejor grupo español de jazz en la II Concurso Internacional de Interpretes de Jazz celebrado en Granada en 2003. Durante bastante tiempo mantiene un dúo a piano y voz junto a Angel Andrés con el que han participado en la Muestra Internacional de Jazz de Ibiza 2002 y diversos clubs como Altxerri en San Sebastián, Café España en Valladolid y "El Quiñón" donde estuvieron acompañados por Javier Colina y Guillermo Mcgill. Ha colaborado recientemente con la Orquesta de Córdoba en la obra La Dolce Vita del compositor Nino Rota en la que interpretaba el papel de guitarra eléctrica.
Sus trabajos le llevan de una a otra parte de Andalucía, y así es fácil verla actuar asiduamente en el club sevillano de Jazz: Jazz Corner junto al grupo liderado por el multiinstrumentista, José Antonio Maqueda.

Susana Raya obtiene el 2º Premio en el 11º Concurso de Cantantes de Jazz Lady Summertime - Finlandia, celebrado en Hämeenlinna (Finlandia - 2006).
 




Luciana Souza



(Sao Paulo, 1966): Louciana Souza ha cultivado la más sofisticada música popular brasileña en audiencias de habla inglesa. Hija de un prestigioso músico y compositor de bossa nova, la cantante está radicada en Nueva York y realiza una elegante mezcla de bossa nova con arreglos exportados preferentemente del jazz. Su tercer y último disco, Brazilian Duos, es una aclamada producción que el diario New York Times definió como "modesta y brillante colección de duetos en voz y guitarra de canciones brasileñas".
Es una de las más talentosas intérpretes brasileñas de jazz y en su nuevo disco, The New Bossa Nova, lo deja bien claro. Esta cantante de Sao Paulo te noquea cuando se escucha por primera vez alguno de sus discos.
Su productor y esposo, Larry Klein, consigue llevar a su mágico terreno una serie de canciones ajenas de Joni Mitchell (Down to you), Leonard Cohen (Here it is), Elliott Smith (Satellite) o Steely Dan (Were You Blind That Day).
No siempre se encuentra bossa nova en sus discos; es jazz suave con una impecable orquestación interpretado por excelentes músicos, adaptado a todos los públicos, con momentos espectaculares como God only knows, de Brian Wilson o When we dance, de Sting, además de los dos temas originales: Love is for strangers y You and the girl.

Luciana Souza's first solo album was An Answer to Your Silence (NYC Records, 1999). The Poems of Elizabeth Bishop and Other Songs (Sunnyside Records, 2000) was fifth place in The New York Times' 2000 The Year in Pop and Jazz: The Critics' Choice list. In 1991, she was elected Discovery of the Year by APCA for her work with Hermeto Pascoal. In the next year, she toured with the Zimbo Trio. In 1995, she was nominated for Outstanding Latin Act and, in the next year, Outstanding Jazz Vocalist at the Boston Music Awards. Among the artists she has been performing and recording with are her godfather, Hermeto Pascoal; Danilo Perez; Zimbo Trio; David Kikoski; Joey Calderazzo; Romero Lubambo; Guillermo Klein; Oscar Castro-Neves; Cyro Baptista; the Paul Winter Consort; Ben Sher Group; Steve Lacy; Kenny Wheeler; Donald Brown; John Patitucci; Kenny Werner; Osvaldo Golijov; Bob Moses; and George Garzone. From a musical family (her parents are Walter Santos and Tereza Souza), Souza has been involved with music since her childhood, when she worked with jingles. After four years at Unicamp University in Brazil, she went to the Berklee College of Music, where she received a bachelor's degree in jazz composition.


Jill Scott


 
Jill Scott es una poeta, compositora y vocalista estadounidense, de Filadelfia. Tanto su música (es decir, sus composiciones más el trabajo de los productores e intérpretes con los que colabora) como su manera de cantar proponen una fusión de jazz, funk, soul, R&B y hip hop, creando así un estilo que habitualmente se denomina, más por comodidad que por otra cosa, neo-soul. Ahora bien, teniendo en cuenta que el término estilístico está plenamente aceptado, no es nada osado afirmar que es una de las artistas de rerencia del neo-soul. Mención aparte merece su asombrosa evolución como vocalista, porque comenzó como una poeta que leía más que cantaba sus ingeniosas, personales y siempre interesantes letras, pero progresivamente ha ido efectuando una transición para convertirse en una vocalista pura, y muy buena además. Quizá haya tenido que sacrificar las explosiones verborreicas de sus inicios, pero así hemos ganado una voz tremendamente versátil capaz de emocionar pero también de permitirse algún que otro efecto pirotécnico. Nacida en el 4 de Abril de 1972, en el Norte de Filadelfia, Pensilvania, fue educada por su madre, Joyce Scott, y su abuela. Escudió en la Philadelphia High School for Girls y en la Temple University, al tiempo que mantenía dos trabajos. Inicialmente pensó en ser profesora de inglés, pero le desilusionó, así que probó varios trabajos alternativos antes de dedicarse profesionalmente a la música. Eso sí, comenzó a leer sus poesías en lecturas públicas, y una de esas noches fue descubierta por Ahmir Thompson, el batería de The Roots. Este le invitó a participar en una grabación de estudio con su grupo, que dio como resultado el tema You got me, coescrito por ella, que fue interpretado en el 2000 por Erykah Badu y The Roots, ganando el Grammy como mejor interpretación de rap. Posteriormente se sucedieron colaboraciones con Common, Will Smith y Eric Benet, además de actuar en el musical Rent, de gira por Canadá. En 1999 se convirtió en el primer fichaje del sello Hidden Beach Recordings, creado por Steve McKeever, y sólo un año después debutó con Who is Jill Scott. En el 2001 llegó el directo Experience: Jill Scott (Hidden Beach) y, en el 2004, su segundo álbum de estudio, Beautifully human: words and sounds, vol 2. Eso sí, no dejó de escribir poesía, porque en Abril del 2005 se publicó The moments, the minutes, the hours, una recopilación de sus poemas (en St. Martin’s Press). A principios del 2007 se editó Collaborations, una selección de sus colaboraciones con otros artistas, como Lupe Fiasco, The Isley Brothers, Sergio Mendes & Will.I.Am, Al Jarreau & George Benson o Eric Roberson, y meses después su tercer trabajo, The real thing: words and sound vol3. Además de su carrera discográfica, en el 2004 actuó con The Roots y fue corista de Erykah Badu (filmado para Dave Chappelle’s block party), y ha actuado en varios cápitulos de la serie Girlfriends, en en film Cavedwellers y en una versión para cine de The no. 1 ladie’s detective agency. Por otra parte, ha creado la Blues Babe Foundation, dedicada a ayudar a los jóvenes a costear sus gastos universitarios. Poco después colaboró con Eric Benett, Will Smith y Common, y reclutó experiencia haciendo una gira por Canadá, con la producción musical de Broadway «Rent». Firmó con la reciente compañía discográfica Hidden Beach para lanzar su álbum de debut, «Who Is Jill Scott? Words and Sounds Vol. 1» en junio de 2000. Un año más tarde editó otro álbum y el single «A long walk» con bastante repercusión dentro del panorama musical de aquel momento, y por el que fue nominada al Grammy de mejor actuación vocal femenina. Su carrera como cantante está en cierta forma aparcada desde su último álbum en 2004, y está más centrada en la producción de artistas como Musiq, The Isley Brothers, y sus descubridores, The Roots.



Erin Bode

 
Erin Bode es una cantante estaunidence, que esta dentro de la linea del Jazz. Bode nació como la hermana mas chica de cuatro hermanos, en la ciudad de Wayzata, Minnesota, cerca de Minneapolis.

Bode was born the youngest of four children in Wayzata, Minnesota near Minneapolis-St. Paul to a Lutheran minister who emphasized music, leading her to join a church choir.While a high school student, first at Lutheran South High School and then at Eureka High School, she excelled at the trumpet (which she borrowed from her older brother) and performed in sixteen theatre productions.
She began college at the University of Minnesota before transferring to Webster University, during which time she performed with the Saint Louis Symphony Orchestra for three seasons. She was influenced by jazz pianist/singer Christine Hitt a teacher at Webster, who introduced Bode to jazz and often invited her to sing during select shows in the area. Her first such show was at the Missouri Athletic Club. Bode graduated with a degree in music and foreign languages (Italian and French), though she changed her major from classical music during her time at Webster.Bode remained in the area upon graduation and produced her first studio album, Requests, in 2001. The album brought her enough local attention, due in part to a cover of Cyndi Lauper's song "Time After Time", that she was signed to St. Louis jazz



Lisa Celeste Stroud

 
Es la hija de la gran Nina Simone de la que ha heredado un gran carisma; a modo de homenaje a su madre, publica "Simone On Simone" (2008), su primer disco solista.
Lisa Celeste Stroud -así se llama en realidad esta neoyorquina- canta e interpreta con una sensibilidad digna de las grandes voces del Jazz. Cuenta con una impresionante Big Band de acompañamiento y de la producción se ha encargado el famoso músico y arreglista Bob Belden, que ha trabajado con Donald Byrd, Mel Lewis y Dianne Reeves, entre otros.
"Simone On Simone" entusiasma a los amantes del Jazz elegante, aunque también adopta registros que me hacen pensar en una voz no sólo de Jazz, sino de Soul o R&B clásico. Lo cierto es que Simone no trata de imitar a su madre, sino más bien de aportar su propio estilo.
El resultado es excelente, sobre todo por canciones como este "Don't You Pay Them No Mind"...
(



Amel Larrieux

Cantante, compositora, teclista y productora estadounidense (nacida en el Greenwich Village de Nueva York), hija de Brenda Dixon, crítica de danza y profesora, lo que permitió que creciera en un ambiente artístico, bohemio, que condicionaría fuertemente su futura orientación creativa. Su música, escrita, arreglada y producida junto a su marido Laru Larrieux, abarca estilos como el jazz, el r&b, el soul, el funk, el hip hop, el folk, el house y, en menor medida, elementos de la música world y el pop. Además, es una exquisita y lograda fusión de electrónica e instrumentación real, pero con predominancia del sabor orgánico: mucho de sus temas son acústicos. Aunque seguramente encontrarás sus discos en la sección de r&b contemporáneo (y eso que encontrar sus discos ya es una señal de que estás en una buena tienda), se trata de una artistas muy recomendable para los amantes de la música negra clásica. Muy interesante. Una vez que decidió expresarse musicalmente, formó el dúoGroove Theory, junto a Bryce Wilson (también conocido como Bryce Luvah), grabando el hit Tell me y el álbum Groove Theory, ambos en el sello Epic Records. En 1996 participó como vocalista en el álbum homónimo de Sweetback, un grupo instrumental formado por miembros de la banda de sade. Pero su carrera en solitario no se inició hasta el 2000 inicia su carrera en solitario, con la edición de Infinite possibilities, precedido, un año antes, por el single Get up. También ese año figura como vocalista en el tercer proyecto Jazzmatazz de Guru, Streetsoul. Junto a Glenn Lewis graba, en el 2002, What’s come over me?, para la banda sonora del film The Barbershop (un éxito en Estados Unidos ignorado en el resto de mundo), y un año más tarde vuelven a colaborar en Where is the love, para el disco de Stanley Clarke 1, 2, to the bass, que les vale una nominación en los Grammy. A finales del 2003 sale a la venta su segundo álbum de estudio,Bravebird, el primero en su sello Blisslife Records, y en Abril del 2006 el tercero, Morning, ambos muy bien recibidos por la crítica pero con escaso éxito comercial. En Mayo del 2007 llega a las tiendas Loverly standarts.

Singer, composer, teclista and American producer (been born in the Greenwich Village of New York). Few young singers from the nascent "new school" of conscious soul possess the grace, maturity, strength and determination of amel larrieux, whose epic solo debut infinite possibilities places her in a musical niche all her own.
Drawing on a wealth of influences from jazz, hip-hop, gospel and funky r&b, and with flashes of middle eastern, west african and indian ethnic styles, amel has crafted a veritable concept album that explores an endless range of promise and potential...lyrically, musically and personally. reflecting the title she chose, infinite possibilities symbolizes a challenge, not only to herself but to the self-limiting and thus incomplete definition of what is commercially identified as black music and art today.



Sara Bareilles

Sara Bareilles nació en 1979 en la ciudad californiana de Eureka. Comenzó a cantar en el coro de su colegio y en la universidad de UCLA formó parte del grupo a capella Awaken, comenzando también a presentar sus canciones en bares y clubes de Los Angeles. Tras grabar un par de maquetas, apareció cantando en un bar en el filme independiente Girl Play y editó por su cuenta dos discos grabados en directo: The First One y The Summer Sessions. En enero de 2004, publicó su primer álbum de estudio Careful Confessions y en 2007 teloneó a Mika, Maroon 5 y James Blunt antes de lanzar el segundo, Little Voice, con la canción definitiva: Love Song, nº1 en Estados Unidos y Canadá y que ha llegado a todo el mundo por su frescura y esa mezcla de modernidad y clasicismo que sólo está al alcance de las más grandes.

En junio de 2007, Love Song se podía descargar libremente en iTunes y al mes siguiente, el álbum Little Voice era el más comprado en la red, llegando al nº7 en la lista Billboard. Producido por Eric Rosse, Little Voice es el resultado de un esmerado trabajo en busca de una música inspirada y de calidad. "Es una colección de canciones que significan lo que es el mundo para mí", dice Sara. "Es la crónica de mi vida, de mis relaciones y de mi devoción para tratar de escribir algo honesto y compartirlo. De ahí viene el título del disco, que trata sobre cómo aprender a seguir mis instintos y, lo que es mucho más importante, reconoce que necesitaba desesperadamente escucharme a mí misma. Parece un tópico, pero a veces esa vocecita es la única que te dice la verdad".


 Sara Bareilles se ha ganado el éxito y el respeto que sólo se adquiere cuando antes se han pisado muchos escenarios sin camerino. "Escribo canciones desde que puedo acordarme", dice. "Algunas me hacen feliz y otras son una mierda, pero todas surgen porque no puedo imaginar qué otra cosa puedo hacer con mi cabeza, con las cosas que dan vueltas en ella". Es Sara Bareilles. Su canción Love Song es su gran éxito y adelanta el álbum Little Voice. Con el sabor de los grandes clásicos del siglo XXI.
http://www.sarabmusic.com/






Norah Jones


Su música combina elementos de jazz, soul y country.
Sus primeros acordes El 30 de
marzo de 1979, un año después de romperse la relación entre el maestro indio del sitar, Ravi Shankar, y la enfermera Sue Jones, nació la pequeña Norah. Norah y su madre vivieron en Nueva York hasta que la niña cumplió cuatro años. Entonces se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde vivió hasta los veinte. En su casa nunca faltaron discos de los clásicos del blues y del jazz: Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell..

Nacida el 30 de marzo de 1979, es una cantante y pianista estadounidense. Su voz cálida e íntima y su sencillez ha enamorado a medio mundo y con su primer disco “Come Away With me” ha conseguido vender más de 18 millones de copias y 8 premios Grammy

A la influencia musical materna hay que sumar la que recibió de su abuela, una apasionada del recio country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie Nelson. (Etta James - Bill Evans - Sarah Vaughan - Rickie Lee Jones - Nina Simone - Bessie Smith) Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y saxofón (a los siete). Estaba lejos de ser una alumna modelo: era bastante vaga y dejó el estudio varias veces. Sin el esfuerzo de su madre, su abuela, y sus profesores Renetta Frisque y Julie Bonk, probablemente hubiese abandonado el camino musical. Cuando creció se matriculó en una escuela de artes y nunca faltaba en las actuaciones para cumpleaños y concursos musicales. Su primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto entró en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.[editar] En la gran manzanaCon veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas, para disgusto de su madre. Poco antes había tomado contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y quedó prendada. Una vez en “La gran manzana”, pronto hizo pie en el fértil circuito de garitos de conciertos de Greenwich Village y colaboró con diversas bandas. Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos. Sin embargo, en esa época supo que quería vivir de cantar en vivo y que iba a hacer todo lo posible por lograrlo. Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic, y finalmente montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor de Don’t Know Why, Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época se estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room.[editar] El principio del “boom”En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000.

Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas. La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese cassette y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y “Come away with me”, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel. Dos años después de la publicación de su álbum de début, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home".La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All". A principios del 2007 sale a la venta su último disco "Not Too Late" que resulta ser un éxito de ventas.

A veces oímos a un cantante por primera vez, y a pesar de ello tenemos la impresión de haberle oído toda la vida. Su forma de interpretar las canciones, a la vez íntima y cálida, nos atrae y nos permite hacernos una idea de su personalidad sólo con oírles. Este es el caso de la joven cantante Norah Jones.
Discografía
First Session (2001)
Live At House of Blue (2002)
Come away with me (2002)
Feels Like Home (2004)






Diana Krall


(Nanaimo, Canadá, 1964) Cantante y pianista de canadiense. Diana Krall nació el 11 de noviembre de 1964 en Nanaimo, pequeña localidad de pescadores en la isla de Vancouver, en la provincia canadiense de la Columbia Británica. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz, y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano. A los cuatro años, la pequeña Diana empezó a tomar clases de piano. Cada domingo la familia al completo se reunía para interpretar clásicos de Nat King Cole o Frank Sinatra. «Nos turnábamos -recuerda ella en entrevistas-; ni siquiera puedo recordar cuándo no estábamos tocando.» Su primera influencia musical consciente fueron las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre, y que ella intentaba reproducir nota por nota. De adolescente, Krall se unió a la banda de jazz de su escuela superior, y a los quince años logró su primer trabajo remunerado: tocaba el piano tres noches a la semana en un restaurante local. Por entonces, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, a imitación de sus admiradas Roberta Flack o Nina Simone, aunque sólo se sentía del todo cómoda como instrumentista.
Video Diana Krall : Live in Paris (It's Wonderfull)
http://es.youtube.com/watch?v=vs1LfI9HxRc

Encuentro con Ray Brown En 1981 ganó una beca del Festival de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa escuela de música Berklee, en Boston, Estados Unidos. Allí residió durante un año y medio de riguroso aprendizaje, tras lo cual volvió a cruzar la frontera canadiense para regresar a su pueblo natal. Una noche, el reconocido bajista Ray Brown la escuchó tocar en un pequeño local de Nanaimo. Impresionado, se presentó en el camerino y le propuso ser su mentor y manager. Krall aceptó encantada, iniciando una relación profesional que se mantendría hasta el fallecimiento de Brown, en julio de 2002. Siguiendo el consejo de Brown, Diana se mudó a Los Ángeles. Allí, con una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director musical de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Rowles la animó a complementar su habilidad al piano desarrollando del todo sus posibilidades vocales, de las que todavía se sentía insegura. Tras residir una temporada en Toronto, a principios de los años noventa se mudó a Nueva York, donde formó su propio trío. Después de hacerse un hueco en la escena local, publicó en el pequeño sello discográfico Justin Time, con base en Montreal, su primer álbum: Stepping out (1990). En este prometedor debut participaron prestigiosos músicos como Jeff Hamilton o John Clayton. En 1994 publicó para el sello GRP Only trust your hear, en el que contó con la colaboración al bajo de su viejo amigo Ray Brown. Para este disco contó con un productor de lujo: el veterano Tommy LiPuma, cuya trayectoria incluye trabajos con Barbra Streisand, Miles Davis, João Gilberto o Natalie Cole. Ambos quedaron tan satisfechos con el resultado que LiPuma ha seguido produciendo todos sus trabajos posteriores. Tras emprender su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, en 1996 presentó All for you, un delicioso homenaje a la música de Nat King Cole, publicado por el clásico y renovado sello de jazz Impulse! No sólo recibió críticas excelentes (el diario The New York Times lo eligió entre los diez mejores discos del año), sino que además obtuvo unas ventas sorprendentes para su género y una nominación a los Premios Grammy. Su siguiente disco, Love scenes (1997), la situó definitivamente entre los grandes del jazz. Participó en eventos de prestigio como las galas de ese año de tributo a Ella Fitzgerald (en el Carnegie Hall) y a Benny Carter (en el Lincoln Center), y durante semanas fue la atracción de la Oak Room, la prestigiosa sala de conciertos del Algonquin Hotel de Manhattan.

Premio Grammy Sin embargo, pocos imaginaban hasta dónde podía llegar su popularidad. Con When I look in your eyes (1999) logró su primer disco de platino (un millón de ejemplares vendidos) y el Premio Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz. También fue la primera artista de jazz nominada en la categoría de Álbum del Año en veinticinco años, y en participar en el Festival Lilith Fair (habitual escenario de cantantes de pop, como Alanis Morissette o Sheryl Crow). Su música empezó a sonar en populares series de televisión como Sexo en la ciudad, o en películas como Otoño en Nueva York o The Score. Un golpe maestro (de Robert De Niro). Celebridades como Sting, Elton John o Harrison Ford declararon su afición a la joven cantante, que en 2000 recibió la Orden de la Columbia Británica, como embajadora de esa provincia y de la cultura canadiense en todo el mundo. The look of love (2001), su siguiente paso discográfico, en el
 sello Verve, se planteó como un homenaje a las baladas de Frank Sinatra en clásicos como Only the lonely. A Krall se le ocurrió llamar a uno de sus músicos favoritos, el alemán Claus Ogerman, responsable del sonido de discos clásicos de Sinatra, Streisand o Antonio Carlos Jobim. El único problema era que Ogerman llevaba por entonces diecisiete años apartado de los arreglos para otros músicos de jazz, y concentrado en sus propias composiciones para piano y violín. Ello no impidió que, durante una gira por Europa, concertaran un encuentro en Munich. El veterano músico y arreglista quedó impresionado con el talento y los conocimientos de Krall, y ambos coincidieron en su gusto por las películas antiguas. Sin dudarlo, Ogerman se sumó al proyecto y dirigió a la Orquesta Sinfónica de Londres en el acompañamiento de clásicos como Cry me a river o I get along very well without you, y una versión en español de Bésame mucho. Por supuesto, The look of love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy. A continuación, Krall publicó su primer disco en directo, Live in Paris (2002), grabado en diciembre de 2001 durante una serie de recitales en el Olympia de la capital francesa. Este álbum ya anticipaba la versatilidad que iba a mostrar la cantante, con un repertorio que engloba siete décadas de la mejor música americana: desde los estándares de Tin Pan Alley de los años veinte o el I’ve got you under my skin de Cole Porter, hasta una canción de Billy Joel.
La Krall más intimistaDiana se encontraba en la cima de su carrera cuando recibió el golpe más duro de su vida. Su madre, Adella, ya había recibido un trasplante de médula ósea en 1996 para tratar de superar un cáncer, pero recayó cuatro años más tarde y se sometió a un segundo trasplante en otoño de 2001.
Sin embargo, esta vez no mejoró, y falleció en mayo de 2002, a los sesenta años de edad.
Esta tragedia dio lugar a las sensibles composiciones de The girl in the other room, publicado en abril de 2004, y también la convirtió en una activa luchadora contra el cáncer (en marzo de 2004 ofreció un concierto benéfico con su marido, el músico británico Elvis Costello, y con Elton John, para recaudar fondos para un hospital de Vancouver que lucha contra la leucemia). En el álbum, Krall expande considerablemente sus horizontes estilísticos al incorporar canciones de cantautores americanos modernos -como Tom Waits o Joni Mitchell- a su repertorio habitual de estándares del bop y el swing. También contiene seis canciones escritas a medias con su marido. La relación con el ídolo del pop de los años ochenta fue esencial en el cambio de rumbo de la artista de jazz, que anteriormente nunca había presentado composiciones propias. Ambos se conocieron durante la entrega de los Premios Grammy de 2002, y decidieron colaborar juntos. Basándose en las largas conversaciones que mantuvieron acerca de la mue

Tags: biografias

Publicado por leojustintv @ 19:43
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Comentarios
Publicado por Invitado
viernes, 07 de noviembre de 2008 | 0:53
buenas! trabajo para quali.es, una web que promueve contenidos relacionados con la música, el arte, la fotografía, el dibujo… Intuyo que os interesará este enlace: http://qualid.es/?id_pre=5 mama boogie
Un saludo!Sonrisa
Publicado por Invitado
domingo, 09 de septiembre de 2012 | 11:43

Donde esta Melody Gardot?... para mi la mejor cantante y compositora de jazz de la actualidad y sin duda la mas versatil... un ejemplo para el mundo entero...

Publicado por Invitado
s?bado, 08 de diciembre de 2012 | 15:51

Yo agregaría a Mina Mazzini ya que continúa cantando de manera espectacular.

Fuerte abrazo y muy bueno el sitio.

 

Leo.